Damien Hirst: le requin mariné '

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Chaque époque et chaque genre d'art a sa propre rébellion et démons. Dans la scène de l'art britannique moderne est sans aucun doute Damien Hirst. Hirst, tout aussi marquant et controversé comme son œuvre, est un sculpteur et installiekunstenaar. Il se tenait au berceau d'une génération contemporaine d'artistes, connu plus tard comme les Young British Artists. Avec le requin brisa Hirst en 1992 par les médias et le grand public.

1 Introduction

Depuis mensengeheugenis ne fait l'homme à passe-rose. Tijdverdijf dans lequel lui ou son ludique créativité rébellion bizarre au can processus. L'art a toujours excellent là pour un prêt. Au cours des siècles ont artistes leurs œuvres considéré comme un véhicule d'expression de leur colère, l'anxiété, l'impuissance, ou de l'individualisme. Par leur expression de la créativité donner un respect choquerende, ils essaient de penser la masse de la mettre ou de conserver un miroir.
Chaque époque et chaque genre d'art a sa propre rébellion et démons. Dans la scène de l'art britannique moderne est sans aucun doute Damien Hirst. Hirst, tout aussi marquant et controversé comme son œuvre, est un sculpteur et installiekunstenaar. Il se tenait au berceau d'une génération contemporaine d'artistes, connu plus tard comme les Young British Artists. Le YBA ont pris d'assaut le monde de l'art britannique fin eighties / début des années nonante avec son propre style provocateur et innovante.

"L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivant»; la «sculpture» dans le présent document sera central. Avec ce profil élevé et œuvre sensationnelle cassé Hirst en 1992 par les médias et le grand public. Ce est un requin tigre conservé de plus de cinq mètres de long dans un aquarium rempli de récipient en verre cum formaldéhyde.
Qui est Damien Hirst, les figures de proue de l'YBA ayant une obsession pour les morts? Et qui est Charles Saatchi, le kunstcollectioneur de schatrijke et financier de l'œuvre célèbre de l'art? Qui tire le public à travailler et ce est sa fonction et la signification? Les réponses à ces questions et beaucoup d'autres questions connexes et d'analyses sont largement couverts dans cet essai.

2 Damien Hirst

Damien Hirst voit la lumière du jour le 7 Juin 1965 à Bristol. De 1983 à 1985 Hirst étudié au Collège Jacob Kramer of Art, Leeds, et de 1986 à 1989 au Collège Goldsmiths, Londres. Cette école en mesure de réserver pour le fait qu'il a produit de nombreux grands artistes modernes de l'art. En 1988, toujours en sa qualité en tant qu'étudiant, Hirst a organisé avec seize autres camarades de classe dans un entrepôt à East London, la légendaire exposition Freeze. Ce est une première dans une série d'expositions pionnières finissent eighties / début des années nonante, organisé par un groupe de jeunes artistes enthousiastes. Gel est tenue peu de temps après l'exposition chic de New York Art Now, l'organisé et financé par Charles Saatchi. Cette exposition en deux parties donne les amateurs d'art à Londres, y compris Hirst, un aperçu inspirant de l'œuvre de l'artiste américain Jeff Koons et la génération de néo-géo.

Jeff Koons est un objet et conceptkunstenaar qui est également considéré comme un artiste majeur du postmodernisme dans l'image kitsch révélé. Il est également considéré comme faisant partie de la marchandise-art et l'Neopop. Neopop se réfère aux travaux d'un certain nombre d'artistes qui est apparu à la fin des années quatre-vingt du XXe siècle, le monde de New York-art. Comme point de départ étaient les méthodes Neopop, des images et des matériaux de la Pop Art soixante ont été utilisés des années, à travers le patrimoine de nouveau reçu une forme d'art conceptuel au sens le plus ironique et objectif. L'art de Koons est toujours entouré d'une touche de la banalité. Ses «peintures» sur papier glacé et les objets sont une intensification et la glorification de la culture visuelle populaire. Ils savent pas pressé ou significations cachées. La tâche principale est: attirer l'attention, boîtes de capture séduire. Koons sait également attirer l'attention à plusieurs reprises par les médias prudents et stratégie de marketing. Il apporte son travail à un calendrier sophistiqué, en série sur le marché et joue donc sur la nécessité pour ce qui est nouveau et sensationnel. Fixant ainsi il sa vie personnelle et privée intentionnellement. Il se produit dans des talk-shows, l'organisation de campagnes de publicité, de promouvoir ses expositions et de se laisser populaire prolongée en interrogeant et en photographie.

New York Art Now a un grand impact sur le jeune Damien Hirst. Il touche inspirée par Koons et voir à travers lui la valeur et l'importance de vous-même à servir en tant qu'artiste, à la fois en artistique et en termes de marketing. Le marketingaanpak pour son exposition Freeze est donc nettement mieux que la conception de conservation de l'exposition. Il permet de créer un beau catalogue avec une introduction en douceur, écrit par un célèbre critique. Poursuivant, il met sa main dans la liste de diffusion de la galerie connue, et il invite la devise «Je ne veux pas porter à ma vie jusqu'à ce que quelqu'un a découvert mon art» lui-même les bonnes personnes sur. Les principaux experts d'art et collectionneurs le laisser chercher un taxi. Une approche magistrale apparaîtra plus tard.
Comme l'a déclaré le gel a été le premier dans une ligne de pièces innovantes leur cachet se pressions sur l'art britannique moderne. FREEZE et trois autres expositions, à savoir l'Est Pays cour Show, la médecine moderne et Gambler être le début d'un changement dans le paysage artistique de la Grande-Bretagne. Une avant-garde britannique entre en floraison, les "Young British Artists"; . Bien que les artistes YBA commencent, ils ont réservé leurs expositions dans le succès de ce qui concerne l'organisation et de promotion. Par les quatre spectacles, le YBA vu comme «opposition» et «entreprise» comme le remarque Kate Bush: "... l'spectacles dat alimenté le mythe de YBA que, paradoxalement, à la fois et Oppositioneel et entrepreneuriale. Peut-être le YBA considéré par certains critiques comme l'opprimé, mais ce est vite perdu. Le YBA être courte, mais à l'écart parce qu'ils obtiennent rapidement l'éloge reconnaissance de scène synthétique. La première preuve de ce musée est le premier album solo de Hirst en Décembre 1991, une exposition à l'Institut des Arts de Londres contemporaines. Mais il ne est pas seulement perce. Beaucoup d'artistes dont les œuvres ont été exposées internationalement faille dans les années suivant celle-ci. Mais Damien Hirst est l'artiste le plus connu et le plus controversé de cette génération. Il est la figure de proue du mouvement YBA, qui fait encore lieu.

Son travail peut être divisée en trois catégories: peintures, sculptures et glascontainerwerken. Un travail de ce dernier type fournit la flagrante percée Hirst. Rarement une sculpture britannique contemporaine ont été aussi un sujet de discussion avant même qu'ils semblent existaient. Ce est clairement le plus remarquable travail l'art britannique de la dernière décennie du XXe siècle: "l'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivant";.
Hirst utilisé pour ce travail un corps d'un requin tigre, dont il zesduidend dollars à gauche. Initialement, il veut utiliser un grand requin blanc, mais le faire trois jours avant Hirst sa commande à pêche australienne, le requin blanc a déclaré une espèce en voie de disparition. Il laissa le requin tigre, la nageoire caudale du museau au bout de plus de cinq mètres de long, surmonter l'Australie à l'Angleterre et prépare la suite manuscrit. La fabrication finale sortir sur de tels un sloppy 87 000 dollars. Le requin est achevée en 1991, et en Mars 1992, il est exposé dans la galerie de Saatchi à Saint- Johns Wood. En un seul coup fait le nom de Hirst et confirmé l'éligibilité de la Saatchi.

A propos de son choix pour la représentation d'un requin Hirst dit: «Je voulais la vraie chose, je voulais que les gens de penser dat ... pouvait me manger." Hirst appelle les présentations dans les zoos et les musées d'histoire naturelle à l'esprit. Ce est en fonction de la kunstcriticus britannique Graham Dixon «sans aucun doute calculée. Avec le requin prouve Hirst de Graham-Dixon "que même le moins de spéculer accueillante, animal hostile peut être changé pour un sujet de considération esthétique.
Le pontificale montrant poissons morts dans ou comme partie importante d'objets d'art est une tradition qui a pris naissance au XVIIe siècle. Certains théoriciens voient dans l'art de Hirst un renouveau de cette tradition dans un contexte moderne, où les animaux morts de historiemusea naturelle être «transférés» aux musées d'art.

De même frappant que l'image est le titre. Cela en dit long sur les thèmes classiques de cette très spécial, mais minimaliste sculpture, la vie et la mort. Mais comment Hirst sur le choix d'un tel titre, et d'autres titres emblématiques pour ses œuvres? Le bombastische et titres cryptiques Hirst concipieert pour une grande partie de son travail ne est pas seulement beaucoup de son sens de la langue, mais aussi la personne Damien Hirst lui-même. Le New York-kunstcriticus Jerry Saltz apporte en avant dans une section consacrée aux Hirst: "Hirst beschikt un cadeau pour la langue. Certains de ses titres sont comme des petits haïkus. Ses titres sont sérieuses commencent. Hirst veut que l'on cherche la «philosophie» derrière le titre et l'illustration, "Ses titres vous disent dat Hirst porte son cœur sur la main. Il veut que vous sachiez la synthèse ne sont pas des blagues, des gags ou de visites; il est sérieux. Il ya une qualité sur la recherche im '. Hirst donne une brève entrevue, mais une déclaration efficace pour son titelkeuze: «Cette mort, animal préservé est une métaphore de nous-mêmes. Nous pouvons notre finitude que par d'autres propositions. Par conséquent, je ai le requin l'impossibilité physique de la mort dans l'Esprit dit ou quelqu'un vivant ".
Critiques anglais appellent Hirst en 1992, morbide. Lui-même est le désaccord. Pourtant, il ya tout lieu de croire que Hirst veut scandaliser. Par le choc artiste obtient une reconnaissance et un public. Saltz note que «Shock est toujours considéré comme un raccourci vers la reconnaissance, un moyen d'obtenir une audience". L'adage faire de l'art à un choc a Hirst de l'artiste controversé précitée Jeff Koons a enseigné. Saltz: «Il ressemble à Hirst beschikt a beaucoup appris de Jeff Koons. Comme Koons Hirst aime de suspendre les choses en cuves, les choses EnCase, les faire durer pour toujours. "

La stratégie réfléchie de shockeren garde Hirst ainsi maintenu dans son esprit quand il se tourne pour faire le requin. Selon Saltz utilisé choc Hirst comme un élément fixe de son kunstenaarschap: Hirst utilise choc presque comme un élément formel. Saltz pose en outre que Hirst l'élément de choc ne est pas principalement utilisé pour générer l'attention du public ...), mais plus de faire les aspects de la vie et la mort visible.

Les aspects de la vie et de la mort est en effet de manière unique dans le centre de la représentation de "l'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivant";. Hirst est très obsédé par la mort, et le petit choix entre la vie et la mort. Hirst lui-même a déclaré: «Je suis conscient des contradictions mentale dans tout, comme: Je vais à la et je veux vivre éternellement. Je ne peux pas échapper au fait et je ne peux pas laisser aller le désir. " Hirst veux que les gens sont confrontés à la mort, quelque chose qu'ils préfèrent ne pas vouloir penser.
Le travail doit être considéré comme un reflet des processus de la vie et de la mort: l'ironieën, les fausses hypothèses et des intentions que nous ramassons à notre disposition et notre mortalité au-delà de «contrepartie» de quitter. Avec ce travail, nous voulons Hirst peut qu'il soit clair que la mortalité ne est pas perdu. La mort est partout autour de nous, et il n'y avait personne de se échapper. Hirst se croit tous les jours à la mort. "Je pense que chaque jour de ma propre mort, je ne comprends pas qu'il ya des gens qui ne font pas. Les animaux restent l'eau forte pour plus longtemps que moi - ce est encore une idée bizarre? Les mauvaises choses doivent vous voir sous les yeux dans la vie de faire bonne valeur ».
Le travail a donc non seulement une prémisse négative ou fataliste. Par le spectateur à réfléchir sur la conversion, Hirst veux que les gens attachent une valeur aux intenses belles choses d'autant plus vivant. Saltz définit que comme suit: «En un mot, ce est ce que le travail de Damien Hirst est tout volte« plus de vie. " Hirst thématise l'Transcience de vie. En effet, il a de SRAS, «L'art est la vie, et il ne peut sauver vraiment être autre chose. Il n'y a rien d'autre." Ses scellée-Up Display cas-comme-mausolées abritent une façon de déplacer notre attention de phénomènes externe monde réflexions intérieure interdits sur soi-même et de sa place dans le monde extérieur ".

Ainsi, alors qu'il peut éventuellement travailler devrait aider à méditer sur la vie de «la vue à vol d'oiseau 'a, auront sûrement beaucoup de bosses téléspectateurs de poule par la face du requin. Le requin tigre semble réaliste avec une bouche évasée, affichage pleine dents acérées avec barbes. Hanging rondspiedend immobile dans l'eau vert aigue-marine, mais les apparences sont trompeuses. Un étrange désorientation contrôlé les yeux du spectateur quand il le long du bord du requin passe et un bochtje permet de voir de l'avant. Par la réfraction simultanée par deux parois de verre opaque, la tête du requin semble soudain à faire une fente pour le spectateur. Un trompe-l'œil effrayant. Galeriebezoekers méfiance obtenir de cette manière faire face à une immédiate - mais réaliste - doodsbedreiging, et sont confrontés directement avec ce point où personne ne échappera à. Quelles pensées et des sentiments vise Hirst lui-même avec le requin de générer? «Je veux que les gens pensent de l'expansion et ne se produira que si elles se sentent un malaise, forcé de penser à ce qu'ils observent. Par conséquent, je génèrent de forts sentiments d'anxiété que l'aversion pour. L'horreur que le requin votre situation, qui sont une partie importante en raison du fait que vous êtes à votre une fois dans la même eau en pensant à lui. "

Les images de Hirst ont quelque chose d'un cauchemar, vous ne voulez pas regarder, mais vous devez. Mais finalement ce est une imagination de la puissance de l'homme sur la nature. "Le requin ne sera jamais par cette heenbreken de verre; Nous ne serons jamais imprimer notre chair sentir la rangée de dents terribles, "Graham-Dixon à juste titre. Ce est une idée rassurante pour l'homme. L'animal mort 'posant' centimersdikke sécuritaire et réaliste derrière une vitre. Le kunstcriticus convient que le fait que le requin semble se déplacer contribue à sa force comme un objet de réflexion intérieure. Cet animal est un paradoxe du massif est faite; en même temps terriblement dynamique et totalement silencieux. Il est, bien sûr, une vanité, un symbole de vergangkelijkheid, même si un type inhabituel. "

Le paradoxe entre le dynamisme et la sérénité »est efficace à travers le béton du réservoir. Par le mammifère à «installer» dans son contexte original, l'eau est un coup d'oeil a souligné que ces personnes requins plus fort que nous. «Le requin est de retour dans son élément naturel, l'eau. La seule chose qui manque ce est la vie - mais ce était à un poisson pour nous difficile à observer, lorsque la lumière Hirst. Pour beaucoup chaise kunstcritici la force de la sculpture dans son immédiateté. De même, le Français Claude Minière: «La chose à propos de frappe la sculpture de Damien Hirst est l'immédiateté haar, la franchise haar. Quelque chose est mort "en vie" ;; quelque chose de vivant est «mort»; brought en forme d'un fragment du réel. The Real Impossible. " D'autres sons sont également entendus. Kit australienne artiste Sage estime que la conception du requin d'être une farce apparaît: "... la poésie du requin flottante de 1991, était la connaissance du sujet." Heureusement pour Hirst est cette «miscalculatie» - en général - est passée inaperçue et le requin sont carrière artistique glansrijke a été lancé.

3 Charles Saatchi

Hirst est de rendre son art l'exceptionnel donc d'un client ou Acheteur: Charles Saatchi. La Saatchi généreux et pientere donne plasticien Damien Hirst développer davantage la capacité et sont soumis kunstenaarschap être une manière significative les paramètres. Il a la chance de travailler la création de haute qualité et d'espace pour expérimenter. Ainsi apporte Hirst a créé une série d'innovations et tendances en grève, avec le point culminant il a certain visage de l'art est Brit.

Ces développements dans le monde de l'art britannique ne sont pas considérés à résoudre les relations sociales dans lesquelles les artistes YBA doivent vivre et travailler. La génération de YBA, avec Hirst à la tête, sont dès le départ financée par l'industrie. Le matériau utilisé pour la majeure partie des œuvres de Hirst sont chers, et donc ne semble pas évident que les œuvres sont auto bekostigt Hirst. L'historien d'art Chin-tao Wu, dans un article sur le lien entre l'art institutionnalisé et le parrainage de l'industrie depuis les années quatre-vingt a abordé le suivant: "La carrière de Aucun artiste beschikt jambe plus étroitement liés lié avec le parrainage d'entreprise que cette de l'étoile l'art dans le monde, Damien Hirst. Si Robert Hewison a souligné, la carrière de Hirst beschikt depuis le début a prospéré grâce au parrainage, de l'Olympia & York et The London Docklands Development Corporation, qui a soutenu zijn BANAL spectacle étudiant Freeze ». Hirst commentant sur lui-même sa propre explication. Selon lui, il est le parrainage de la frontière et disproportionnée "Bien sûr kunstactiviteiten au London College of Art:" Si l'art est la vie, vous ne pouvez pas enregistrer Évitez dat côté de la vie. Au Collège de ze de Goldsmiths vraiment encouragé élimine les obstacles et trouver de nouvelles façons de faire les choses, et parrainage fait partie de celui-ci. Sans doute, il affecte la réception des travaux, mais dat est quelque chose à travailler avec. Je ne me vois pas approcher l'Office de commercialisation de la viande, mais vous pourriez faire le point de politieke en faisant quelque chose de vraiment horrible avec des animaux, et d'obtenir de parrainage des Amis de la Terre. "

En tant que propriétaire du lancement Londres et un développeur de projet le spectacle acclamé Gel généreux commanditaires, Hirst est l'artiste aussi talentueux découvert par l'homme qui a enregistré l'état comme l'un des collectionneur d'art la plus influente et la plus riche de l'art britannique moderne et inconnu dans le monde. Saatchi visite Gel et devient intéressé par les qualités artistiques de Hirst. Gel est inhabituel, pert et professionnelle en même temps, et un événement de débat complet. Hirst vend sa première œuvre et impressionne chez Saatchi. Il a tout ce qui manque un artiste inconnu: un nom international dans le monde de l'art, de grands espaces pour des expositions expérimentales et un budget apparemment illimité. Un achat début notable par Saatchi est le premier "vitrine de Hirst installer," A Thousand Years "; en 1990. Il est tout à fait un coup de pouce à l'arrière pour sa carrière artistique. "Le support de cet enfant ou une valeur inestimable; il soutient énergie et d'optimisme. Considérant que la lutte dans le vide est abrutissant, la perspective de garder son poste de travail une importante collection zorgt de déranger un but et un contexte; il génère encore beaucoup. Demande instamment Puis Saatchi Hirst à faire le requin. Ce est la clé d'une carrière réussie pour Hirst, avec une planification bien pensée-média pour la publicité et la controverse nécessaire. Sa relation platonique avec Saatchi le représente, comme un artiste habile en vigueur, en tant qu'individus capables d'acquérir un immense prestige. Un moment fort pour la reconnaissance de son art, le Turner Prize en 1995, la plus haute récompense pour les artistes britanniques moins de cinquante ans. Dans la perspective de Saatchi est un vrai génie Hirst.

Saatchi est un bon exemple d'un consommateur ostentatoire. Un bonvivant l'immensité Bénéficiant son statut social et de la richesse à travers son argent à dépenser sur les coûteux notamment des matières plastiques. Il commence à rassembler l'art à la fin des années soixante. Son premier achat était une peinture de Sol LeWitt. Dans les années soixante-dix il a fourni des travaux sur les «minimalistes», des artistes comme Carl Andre et Donald Judd. A quelques décennies plus tard, son intérêt pour les œuvres de David Salle et Julian Schnabel, puis de 1989 à diriger son attention sur les jeunes artistes britanniques. Dans les années nonante, il convertit ensuite le manuscrit par genre Brit Art sur la carte du monde. La génération de Damien Hirst, Rachel Whiteread, Chris Ofili, Tracey Emin, Sarah Lucas, Sam Taylor Wood, Marcus Harvey et les frères Chapman. Sur les œuvres de ces artistes, il a à peu près un monopole, à la grande colère des conservateurs, les critiques peu acides, museumconservatoren et moins riches d'autres collectionneurs. Saatchi agit conformément à son slogan "Acheter pas cher, acheter tôt et hauteur de la cheminée sur. Il travaille souvent acheter directement du studio et savent artistes inconnus de faire avec succès. Son influence est le facteur crucial: qui voit par Saatchi, ainsi que chefs d'accusation. Le millionnaire est pour cette raison souvent critiqué: "Il a non seulement détermine le marché de l'art, il lui aussi ruiné, aiguisant les critiques avec Sir Nicholas Serota premier.

La génération Brit Art se présente à travers ses efforts créatifs en tant que nouvelle avant-garde. Bien que l'avant-garde entraîne généralement la place avec le conservateur, l'élite et tout cela, mais aussi en bordure de l'ordre établi et de la bourgeoisie, le paradoxe semble que Hirst et réclamer le reste des perspectives d'avant-garde YBA à maintenir et simultanément parrainé par la même élite. Les artistes sont sur le chemin un signe de l'élite et de ses activités commerciales. Wu prend les termes suivants: «La carrière de Hirst, dat combine la '' valeur de choc ou de l'art d'avant-garde avec le parrainage du monde bourgeois que l'avant-garde, une fois énoncée à contester, ne est apparemment un paradoxe. Ce est précisément l'indignation et la publicité qui y est l'art d'avant-garde ou encore générer, ce port fait attrayant pour les sponsors qui cherchent pour un marché spécifique, qui souhaitent rouler sur l'image de la jeune, l'innovateur, la fraîcheur. Ainsi il Hewison: «Alors Parrainage Devenez kan juste une pièce de plus de matériaux d'artiste. Pourtant, dans le processus de l'artiste devient une pièce de plus de la publicité ".

4 publique

Avec des illustrations du requin atteint Hirst également des personnes extérieures au monde de l'art. À cet égard, il a revendiqué analogies Saltz avec le penchant de Koons de Hirst pour affecter des gens en dehors du monde de l'art est quelque chose qu'il partage avec dat Koons. Son credo artistique est «faire de l'art dat tout le monde pouvait croire en". Le requin qui se rapporte à lui accessible à tous et l'art begrijpbare. L'éditeur britannique Janet Street-Porter admire Hirst au fait que par son originalité de l'art en général atteint un public plus large, qui normalement ne vont jamais à une galerie d'art. "Elle admire la manière l'originalité de dat Hirst beschikt art brought à un public entièrement nouvelle: il Amener les gens en tje galerie qui ne irais jamais autrement." Néanmoins, l'adulte en général, les personnes très instruites, le requin va voir. Them est un miroir impitoyable vous a enseigné. Il veut, comme déjà dit, quelque chose conflictuelle qu'ils ne participent pas souhaits de visage.

La stratégie de l'art et de sensationnel choquerende est une façon intelligente de faire chaud public pour visiter la galerie de Saatchi, où l'état des années de requins jusqu'à ce que le collectionneur d'art américain inconnue Steven Cohen travailler en 2005 overkoopt un bâclée douze millions de dollars. Cohen est susceptible de donner la sculpture au Musée d'Art Moderne de New York. Lorsque le requin dans un musée de Londres logiquement principalement visiteurs britanniques attire, il sera dans un musée Newyorks attirer des visiteurs principalement américains. Kunsthistorica Riki Simons dit ce qui suit à propos de l'efficacité de l'art de Hirst: "Sa vision de l'art est manifestement populiste. Un match d'exhibition se ils parvenaient à un large public la complainte "Ce est incroyable!" suscite. Et les médias sous toutes leurs variantes, de tabloïds à kunstbijlages élégantes, afin de se assurer qu'il ya du public ". Les médias sous toutes leurs variantes jouent en effet un rôle majeur dans l'éloge de l'art de Hirst et attirer publique. "Les critiques dans les premières années de son exposition nette à la plupart étaient très croquante, mais toujours inhabituelle et inspiré à lire, avec une description et reproduction de l'œuvre de l'auteur de lecteurs et l'artiste de l'assuré publiquement, nieuwsgierigmakend visuelle et irrésistible spectaculaire. '

5 Fonction et signification

"L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivant»; tend au conceptuel, calciné, élégant et symétrique. "Pour tous les trucs bizarres qu'il utilise, son travail est méticuleusement bien fait. Il beschikt une Immaculée, la présence de transe à ce sujet. Sa dent Compositions vers Symétrie, et les choses sont toujours placés tellement. "
Graham-Dixon met le suivant sur le style de Hirst: "Damien Hirst a la stratégie classique de surréaliste, dadaïstische et plus tard l'art moderne prises avec quelque chose de son contexte habituel et de l'environnement est prise, puis donné une nouvelle place dans un musée d'art." Graham-Dixon a apporté cette tactique certaines des œuvres les plus importantes de l'art du XXe siècle, et ce est le travail de Hirst progrès significatifs. «À une époque qu'une grande augmentation d'un tel art ennuyeuse refonte 'a révélé, le travail de Hirst représente une formidable renaissance d'une tradition de mourir après la mort." Hirst fait revivre un style en grande pompe, et ne est pas tant «imaginative» dans le sens classique du terme. "Hirst est inférieure ou un inventeur et plus ou un entrepreneur dans le vrai sens du mot,« témoin a également presentatiekwaliteiten.

Les glascontainerwerken sont l'œuvre de l'œuvre artistique de Hirst musée le plus prétentieux maquette de kunstopvattingen conceptuelle-intellectuelle, et ce est le plus large et se adressant directement. À propos kunstcritici écrire négative sur le requin, il n'a pas bonne parole sur. Ils sont, selon lui, "écoliers publics qui essaient de sensibiliser ce qu'ils pensent» sont les masses ignorantes. " Alors, il n'a aucun respect pour kunstautoriteiten et ne mâche propos introvertis et le caractère élitiste du monde de l'art contemporain, "Galeries sont l'alésage des moûts f *** ing magasins dans le monde." Permet donc Damien Hirst illustration laquelle il institutions officielles, avec leurs protocoles et codes traditionnels, entrent dans le chèque. Il mandé le conservateur sur son démarrage. «La puissance du travail de Hirst faire beschikt rencontré manifestation haar d'un manque perçu contemporain dans" All That perte pour la main "; Avec L'expression de mécontentement dans la civilisation ", note Minière. Hirst ajoute pas à l'esprit de l'âge, il rend. «Personne dans son travail et dans la scène artistique à cristalliser est de celle précédemment pourrait être trouvé dans l'art britannique ne de forme claire, quelque chose qui avait peut-être sa propre force, mais d'être isolé ou des restes fragmentés nous pouvons vraiment faire un coup de poing . Ce est un besoin de se asseoir la réalité sur la peau, un besoin que de lui la stature a été un réalisme non salé. Avec ce réalisme est Hirst ruiner le monde ", note Anna kunstcritica Tilroe.

Pour Hirst est l'art de la vie et n'a pas non plus quelque chose d'autre, car il ne est rien d'autre. Mais pour lui, ce est qu'une seule chose dans la vie centrale: la mort. Là, vous pouvez, selon lui, mais ne devrait pas être dramatique déjà fini. Mais beaucoup de critiques se interfèrent à. Ils lui reprochent il une «violente» et snibbige manière entraîne la place avec les morts. Ils partent à la valeur culturelle, sociale et esthétique de l'œuvre sont laissés. A tort, prend Minière. Toutes thème œuvre de la mortalité sont traités critiques impropre et rejeté comme brut et violent. "Qu'est-ce que les détracteurs de Hirst - toujours un groupe assez grand - puisse faire des remontrances im ne est pas pour spéculer sur les valeurs culturelles, sociales et esthétiques constituent y le« monde de l'art "; Au lieu de cela, mais violemment et obstinément nous rappelant d'un manque inhérente à la condition humaine: le fait dat, nous ne pouvons pas sauver Personnellement vivre l'expérience de la dat de la mort, nous savons, ce est un avec notre conditionnement, implicite dans notre existence même. Si l'art est un moyen - le seul moyen - ou de travailler dans l'écart entre Wolmaransstad et sachant connaissent, que cette de Toute œuvre apporte cela à notre manque d'attention est lié à être ERVAREN, que cette de Toute œuvre apporte Manque cela notre attention est lié à Ervaren comme un acte de violence dans une période prématurée y défini comme de la totalité de ce que l'aine à la main, un âge-lors, en vertu de notre pouvoir d'technologische dominante », vous pouvez apprendre quelque chose sur lae téléphone ";".

Beaucoup de critiques d'art traditionnels concluent que la plus grande innovation du travail de Hirst est que lui, avec Charles Saatchi, le musée d'art en dehors du circuit établi a donné un nouveau visage et les Young British Artists a donné une réputation internationale. Depuis qu'il a pris le monde de l'art en 1992 avec "l'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivant»; a aveuglés, les arts visuels ne est plus le même. Un mérite incontestable, ce est que les mains de requins art moderne pour la première fois depuis les années soixante le paysage culturel britannique était prédominante. Le marché de l'art établi que n'a pas facilement reconnaissable. Un exemple est la conservatrice de l'art moderne à la Tate Gallery en début des années nonante Damien Hirst évalué comme un artiste ordinaire avec quelques idées grand public ". Mais Tate a révisé sa vision et l'innovation de son art réévaluée à la valeur correcte. La présentation du Turner Prize est témoigne.

Conclusion

Hirst est l'enfant terrible de l'art britannique moderne. Déjà dans ses années d'études, il parvient à tirer avec une attention approche tact et parfois non conventionnelles. Son exposition Gel est un succès retentissant. Charles Saatchi 'scout' Hirst en période de gel et se attache à lui. Hirst est le visage d'un nouveau mouvement d'avant-garde, les Young British Artists. Avec l'art néo-conceptuel et infusé avec le ridicule, la banalité et de décontraction est le mouvement artistique né Brit Art.

Saatchi encourage Hirst à faire une œuvre d'art sensationnelle: Shark. Hirst révèle énorme sensation avec la sculpture. Dans les médias le travail est un battage médiatique. En un seul coup son nom est mondialement connue et Saatchi confirme sa réputation de collectionneur d'art notoire. Le requin est une forme d'art extrême et excessive à la fin du XXe siècle. Décadent à la beauté classique, de l'intérieur vers l'conceptuelle. Le travail de Hirst célèbre la vie et renvoie à l'urgence de notre temps: la mort, quelque chose que le spectateur préfère souhaite pas être confronté. Hirst est un choqueur habilement sans compassion.

Pour lui, son art de sorte que tout le monde peut le croire, "art qui pourrait croire à tout le monde." Shark témoigne. Il se appuie sur le travail à un large public et est loué pour le fait qu'il est les arts visuels comme un élément culturel est important. Les voix critiques sont aussi, comme des accusations que la sensation l'emporte sur le contenu. Mais la reconnaissance de son art est à ce jour très répandue. À la fin de 2005 soulève un magazine d'art de renommée Hirst de l'homme le plus influent dans le monde de l'art. Hirst est temporairement pas encore mort, mais il pense tous les jours.
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