Fleur encore après 1850: aucune spécialité ou spéciale

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Au moment de l'impressionnisme genre toujours la vie florale était à nouveau très populaire; il a offert la liberté à bien des égards à expérimenter avec la couleur, la lumière et la forme et était donc un sujet enrichissante sur la toile. Cet article suit le développement du genre et différent ?? en particulier les praticiens néerlandais il ?? jusqu'à ce que le XXe siècle.

Changements

Après une longue histoire a subi la conception de la fleur toujours la vie au XIXe siècle, cependant quelques changements.
  • L'élément de l'histoire de la moralisation de l'impermanence a joué un rôle beaucoup plus petit qu'avant, affichant les fleurs elles-mêmes est plus important que le message caché.
  • Le genre ne est plus pratiquée comme une spécialité et
  • moins qu'avant une affaire typiquement féminin.
  • Dans la fleur classique encore la vie est un vase de fleurs central, où chaque fleur ?? une préférence peint spécimens exotiques ?? avec le même degré de précision est peint. Autour de 1870 sont aussi des fleurs indigènes et sauvages comme un sujet en vogue, vase peint vaguement approprié avec nonchalance.

Ce dernier changement est principalement dû à la volonté de revenir à la nature. Par conséquent, des motifs naturels et floraux ont également été largement utilisés dans les arts appliqués, comme le le mouvement Arts and Crafts anglais Art Nouveau et. Cette appréciation de la nature signifie aussi que les artistes de cette période se font jardins et obtenir œil pour les couleurs de l'ampoule. Un exemple bien connu est le peintre impressionniste Claude Monet, qui a peint l'ampoule Néerlandais à plusieurs reprises et ont personnellement beau jardin paysager dans la vie plus tard, presque exclusivement l'objet choisi ses peintures.

Continué à inspirer les premières peintures de fleurs néerlandais artistes. Peintres célèbres de différents mouvements artistiques tels que Monet, Renoir, Matisse, Dali et Picasso ont regards du Louvre à Paris, le virtuose qui vit encore dans l'âge d'or et fit ensuite aux Pays-Bas.

Vincent Van Gogh

Inauguration des travaux de la méthode modifiée lors de la peinture une fleur toujours la vie est une œuvre à partir de 1875 par Adolphe Monticelli, un précurseur des impressionnistes. Il a peint un bouquet avec d'épaisses touches courtes. Les fleurs et le vase sont constitués de la couleur et d'ailleurs les démunis myosotis plupart des fleurs ne sont pas vraiment reconnaissable. Monticelli ne était pas seulement un exemple pour les impressionnistes, y compris Vincent Van Gogh était très impressionné par son travail. Il admirait surtout la structure du revêtement et les couleurs vibrantes de Monticelli. Celle qui est pratiquée par des peintres dans la peinture du XIXe siècle natures mortes en plus d'autres sujets, l'important travail de Vincent van Gogh est clair. Ses natures mortes sont une partie importante de celui-ci.

Van Gogh a continué jusqu'en 1886 à Paris pour la première peinture d'une fleur encore la vie; bientôt suivie par d'autres. Seulement au printemps et à l'été 1886, il y avait trente-cinq ans! Connaissances lui ont envoyé un hebdomadaire bouquet de fleurs fraîches à peindre après. Van Gogh a peint bouquets sont initialement assez traditionnelle, plus tard, il est devenu de plus en plus ses impressions personnelles couleur. Les natures mortes qu'il considérait comme des exercices de couleur, avec des couleurs vives et style exubérant sont un signe avant-coureur de son style plus tard. Au fil du temps, Van Gogh tombe dans son ouvrage sur la signification symbolique de fleurs natures mortes des siècles avant.

Peintures de fleurs célèbres de Vincent van Gogh sont les différentes versions qu'il Quatorze tournesols dans un vase. L'image dans l'introduction montre un détail de la Vase avec douze tournesols de 1888. Son Vase avec des iris est également célèbre. Ces travaux ont été inestimable. Mais Van Gogh a peint beaucoup plus de fleurs, les fleurs représenté liste est énorme. Vases à fleurs et des chardons, bleuets et de coquelicots, marguerites et anémones, roses trémières, glaïeuls sont seulement une impression de la variété de fleurs qu'il a immortalisé.

Art styles à travers le XXe siècle

Comme Van Gogh a choisi un groupe de peintres sûr de donner des fleurs comme une expérience personnelle à nouveau. Ils utilisent leurs vies pour exprimer leurs réalisations stylistiques. Cela se reflète dans, entre autres expressionniste, cubiste, réalistes et symboliques mortes. La fleur toujours la vie montre comment le peintre contre le monde qui l'entoure semble. Il convient de noter ici, ce est l'approche des symbolistes choisir des fleurs assigner à nouveau une signification symbolique pour elle; leurs vies se referment avec le symbolisme de la époques précédentes.

Les natures mortes de la peinture ont continué alors à travers le XXe siècle; même comme un artiste abstrait Piet Mondrian, il a été engagé. Une grande partie de celui-ci est réaliste peint à l'huile ou à l'aquarelle; certaines d'entre elles est plus abstrait. Il leur fait non seulement parce qu'ils sont bien vendus, mais aussi de considérations philosophiques et méditatives. Dans les années 1911 ?? 1914, Mondrian a vécu à Paris, il peint tous les matins, même une fleur. Peinture ses natures mortes réalistes est en outre séparé de son développement abstrait.

Bien que les fleurs ne sont pas souvent peints en noir et blanc, les natures mortes de l'expressionniste allemand Karl Schmitt-Rottluff, grandes formes peintes avec un pinceau et encre de Chine, très intéressant.
Un autre expressionnisme allemand, qui beaucoup de fleurs sur son nom est Emil Nolde. Comme Monet, il était aussi le fier propriétaire d'un magnifique jardin paysager. Inclure ayant ses aquarelles - surtout - de grandes fleurs aux couleurs vives comme un sujet.

US Georgia O Keeffe ?? fleurs sur une manière unique et innovante peint dans un style qui oscille entre abstraction et réalisme. Parce qu'ils agrandies sur la peinture énorme sur seulement une partie de la farine, d'ailleurs, semble fausser la représentation réaliste d'un résumé. Sa couleur bizarre renforcé encore cet effet.

Développement dans les Pays-Bas

Aussi belles natures mortes ont été peints aux Pays-Bas. Les artistes de l'école de La Haye ?? à la fois mâle et femelle ?? a donné leurs vies une certaine ambiance. Leurs successeurs se sont engagés à peindre des fleurs.

Jan Voerman sr.
Jan Voerman sr. Kampen est né en 1851. Son caractère, il a complété sa formation à Amsterdam, où il peint des paysages urbains, intérieurs comprennent et juive Jordanie. Au fil des ans, son style est devenu plus souple et il était belles natures mortes avec des couleurs magnifiques aquarelles contraste. Finalement attiré l'IJssel le ramener dans son pays natal, où il serait capturer l'IJssellandschap. John Carter est mort en 1941.

Floris Verster
Floris Verster a commencé avec succès dans de nombreuses natures mortes 1888 dans son atelier pour peindre, dont certains en très grand format. Son choix est à cette époque sur les fleurs fanées et les plantes; ils sont ?? comme précédemment ?? une référence à la mort et éphémère. Suivi des expériences ultérieures avec l'utilisation de verre coloré de ses fenêtres conservatoires et des surfaces réfléchissantes pour fournir mortes un effet spécial. Stylistiquement développé Verster d'impressionniste d'être plus réaliste.

Sluijters
Sluyters frappé autour de 1908 amis avec Mondrian. Les deux exposés ensemble, mais où Mondrian a travaillé plus en plus abstraite, Sluyters converti en un réalisme expressif. Ses natures mortes avec des combinaisons de couleurs vives ont été largement appréciés. Dans les années 20 ?? surgi la plupart de ses natures mortes, qui étaient extraordinairement abondante vers 1925. Aussi le fond joue un rôle important dans ses natures mortes: que Sluyters dépeint exemple, sont deux enfants très petits gauche et à droite d'une table avec un énorme bouquet. Dans les années trente, il réduit ?? probablement en raison de la période lourde ?? son utilisation de la couleur et sa palette devient plus gris. Après la guerre, il a ramassé le fil et il peint ?? à la grande joie de beaucoup ?? encore mortes fleurs encore expressives et colorées.

Kees Verwey
Bien que Kees Verwey est difficile d'incorporer un mouvement artistique particulier en retard parce qu'il fait de façon autonome son cours, il est indéniablement influencée par l'impressionnisme Amsterdam et l'école de La Haye. Aussi le choix thématique ?? il choisit ses sujets à proximité de la maison ?? se inscrit dans cette tradition. La façon dont il est caressant la lumière dans ses tableaux capturé également en ligne avec les artistes de l'âge d'or. Bien Verwey a suivi les tendances artistiques de son temps et a étudié, il revenait toujours à sa propre méthode unique.

Outre les portraits Verwey, qui était un aquarelliste amateur, mieux connu pour ses natures mortes, y compris de nombreuses vies. Ils sont plein de détails; chaque fois que l'a attaqué d'autres détails sur il peint encore et encore. Après 1970 Verwey est la plus grande source d'inspiration chaos dans son studio de ??. Les objets qu'il se est entouré, parfois complétée par plus ou moins bouquets de fleurs fanées, il capte magistralement.
Ils mortes dans l'huile sont toujours composées d'une variété de coups de pinceau et la couleur; sont des aquarelles sont de couleur vive, souvent avec réaliste, mais encore un degré d'abstraction. Ses dimensions sont souvent remarquablement élevé.

Erik Andriesse
À l'âge de quinze Erik Andriesse déjà été considérée comme un domaine peintre prodige. Il a été particulièrement influencé par la nature, avec la fugacité de fleurs et d'animaux que le thème principal de son travail. Floris Verster a été l'un de ses artistes préférés pour les travaux à la nature. Le travail de la ligne Andriesse avec la peinture figurative, qui a été plus apprécié à nouveau après 1980.

Dans son travail, beaucoup de travail avec des tournesols, amaryllis, lys et des coquelicots, des orchidées et magnolias ?? s, peintes sur grand format et dans diverses techniques à trouver. Dans son choix de ces fleurs qu'il relie avec Vincent Van Gogh et les peintres hollandais du Siècle d'or néerlandais. Andriesse travaillé avec des couleurs vives et peint ses natures mortes avec des touches et verfdruipers, faisant de son travail montre très vivement. Souvent, une forme de fleur, par exemple, est combiné avec une partie d'un squelette ou le crâne. Cependant, bien que dans son travail de nombreux éléments de l'impermanence sont vus, pas de lui à la morale de la vanitassymboliek, mais plutôt un clin d'œil à l'impermanence.

Situation

Still lifes peinture est un passe-temps populaire pour les peintres professionnels et amateurs. Popularité même se applique également à leur public. Un bon exemple est une énorme fleur toujours la vie, entièrement peinte dans des tons gris et brodé, qui l'artiste néerlandais Michael Raedecker en 2009 lors de son exposition à la GEM à La Haye a été très réussie. Comme les artistes de l'âge d'or sera Raedecker impressionner avec son travail. Mais il ya plus: l'artiste se efforce constamment à la déjà existante ajouter quelque chose et l'appliquer au sein de la nouvelles.

Raedecker pour ses peintures de fleurs de l'incarnation de la décadence. Dans la tradition de natures mortes de l'âge d'or de leur rappeler la beauté et l'éphémère, la tentation et de la mort. Est vues proches de l'émission qui donne une image claire de loin, pas plus que ce que les surfaces en peinture et du fil, que par la couleur et la texture sont différents. En face de broderie florale peut-être difficile et il met souvent un titre vicieux; une référence à la société contemporaine.
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