L'art d'après-guerre d'Espagne

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L'art espagnol après la guerre civile et la Seconde Guerre mondiale est caractérisée pendant la période Franco dans l'obscurité et de la rébellion, en mesure plus ou moins grande. Beaucoup d'artistes ont émigré à nouveau à Paris ou à New York, où ils pourraient trouver plus de liberté et pourraient entrer en contact avec les tendances dominantes actuellement dans l'art. Après la mort de Franco, lors du retour de certains artistes de réfugiés, l'art espagnol est de plus en plus indépendante de cette influence.

Jorge Oteiza

Jorge Oteiza a d'abord étudié la médecine, mais a éclaté cette étude, pour se consacrer à l'art. Au début, son travail a été fortement influencé par le cubisme en vigueur dans les années 20, mais en 1933 il a voyagé en Amérique du Sud pour étudier les formes de l'ancienne precolombische d'art là-bas. Il y est resté pendant treize ans. Pendant cette période, il a écrit les paroles, qui donnent un bon aperçu de ce projet.

En 1949, à son retour à l'Espagne jusqu'en 1951 Oteiza a travaillé sur une mission pour une sculpture dans la basilique d'Arantzazu. Pour cela, il voulait utiliser la langue officielle, qu'il avait appris lors de son séjour en Amérique du Sud, qui ne pas vraiment se est avéré être conforme aux idées de l'Eglise catholique espagnole, qui a toujours été plutôt conservatrice. Même subversion dans ses concepts a été suspectée, qui Oteiza uieindelijk reçu une interdiction du régime de Franco afin de compléter ce projet. Plus tard, en 1968, qui serait encore fait.

En 1955, Oteiza a commencé une expérience personnelle sous le titre «Propósito expérimentale. Ce travail serait le début d'une nouvelle tradition géométrique dans l'art européen. Il a été présenté la première fois en 1957 à la Biennale de Sao Paulo. Ce serait une source d'inspiration importante pour par exemple Chillida.

En 1959, Oteiza senti qu'il a plus rien à ajouter, la sculpture avait et a commencé à se consacrer à d'autres questions, telles que la question basque et la lutte contre le régime central. Il a également écrit des poèmes et il a été engagé dans l'architecture.

Le travail de Oteiza ?? peut être vu dans la Fundación Museo Jorge Oteiza et Azuza

Eduardo Chillida

Juantegui Eduardo Chillida a étudié l'architecture de 1943 à 1946 à Madrid, mais a rompu cette étude pour se consacrer à la sculpture. Il a commencé par faire des statues en plâtre dans la soi-disant. ?? Círculo de Bellas Artes ?? à Madrid. Après avoir déménagé à Paris en 1949 pour devenir un conservateur là depuis le Musée national d'art moderne ?? Salon de Mai ?? pourrait fonctionner, mais seulement obtenir une identité. Il était là parce influencé par des exemples de l'art grec archaïque, qu'il découvre au Louvre.

Concentré Chillida dans ses premières œuvres encore sous forme humaine - cas torses et bustes en pierre éventuellement ses images serait plus abstraite et monumental. Il a également commencé à travailler principalement dans le métal. Son œuvre la plus célèbre est caractérisé en organique, 'grijpende'vormen, qui peuvent être placés dans des espaces ouverts, en font partie et veulent accentuer l'environnement naturel. Chillida a voulu que ses photos donc autant que possible en dehors the'gevangenschap'van tenir une galerie du musée fermé.

Chillida a également fait beaucoup de graphiques, dans lequel il a montré la même forme agissant noire sur le papier blanc. Il était le fils de Carmen Juantegui, une soprano de renommée en Espagne. Dans sa jeunesse, il a fait à la première gardien de l'équipe de Real Sociedad club de football dans sa ville natale et de ceux qui sont encore dans la Primera Liga ?? ?? joue.

Son travail peut être vu dans le Museo Chillida Leku trop.

Antoni Tàpies

Antoni Tapies, fondée en 1948 avec plusieurs autres artistes groupe catalan "Dau al Set", qui visait à renouveler l'art espagnol. Sous ce toit Tapies avait ses premières expositions, qui montrent un intérêt dans le surréalisme. Il était déjà la plupart des collages et des peintures matériel et a travaillé avec des graffitis. A Paris, Antoni Tàpies se réunirait l'art africain et précolombien.

De 1949 il a laissé la question pour ce qu'elle est et il commence à créer des peintures, qui tons gris dominent la plupart du temps, même si il vient toujours en contraste est également apparu dans un rayon de couleur. Dans ces peintures apparaissent plusieurs caractères, lettres déformées et impression textile. En 1954, il a introduit pour ajouter un nouveau matériau en poudre de marbre à l'huile et utilise des pigments et des poudres de latex en solution. Son intention est de trouver un monde de fossiles avec des textures dans son travail. En 1958, il a reçu à cause de ces tableaux de prix Carnegie.

Après 1965, le travail de Tàpies se caractérise principalement par neofiguratie. Il devient ainsi le soi-disant. ?? L'Arte Povera ?? mouvement. Commence travaillent dans cette période pour gagner une reconnaissance internationale. Dans les années 70, apparaissant peintures, travail dans l'espace: des objets comme des chaises, des livres brûlés, etc. fournir des secours.

La croix est un élément récurrent dans l'œuvre de Tàpies. Il symbolise les contradictions de la vie à la fois le positif et les choses négatives. Son travail comprend également des références critiques à la situation politique dans son pays sous le régime de Franco.

En 1984, dans sa ville natale de Barcelone musée, la Fundació Tàpies ?? ?? ouvert avec son travail.

Antonio Saura

Antonio Saura a commencé au cours d'une longue maladie entre 1943 et 1947 comme une peinture en autodidacte. Initialement, il a été attiré par le surréalisme. Sous cette influence, il avait sa première éénmanstentoonstelling en 1950.

Entre 1953 et 1955 Saura a vécu à Paris, où il a joué lie d'amitié avec Michel Tapie, l'un des fondateurs du groupe ?? ?? Art Informel. Après son retour en Espagne, son intérêt par l'expressionnisme abstrait américain. Cela le fit comprennent Antonio Tàpies et Manolo Millares en 1957 le groupe d'art ?? El Paso ?? fondation.

De 1960 Saura faisait partie du groupe d'artistes ?? Estampa Popular ??. Quatre ans plus tard, son travail a été exposé au Stedelijk Museum d'Amsterdam.

Entre 1968 et 1978, Saura abandonné la peinture un peu pour ce qu'il était, et se consacre exclusivement à des œuvres sur papier.

Comme Saura Tàpies était intéressé par le symbolisme de la croix. Comme un enfant il était très impressionné par la «Croix Inging 'du peintre Velázquez. Ce travail se bloque dans le Prado à Madrid. Il resterait source constante d'inspiration. Saura de large et se répandre dans les crucifixions de séries chronologiques »est aussi le résultat de cela.

Le travail de Saura est principalement vu dans la Fundación Carlos Saura ?? ?? à Cuenca.

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Equipo Crónica ?? ??

Equipo Crónica ?? ?? était un groupe d'artistes composé de trois, plus tard, deux membres, qui ont travaillé ensemble sur les mêmes tableaux. Le groupe a été actif entre 1963 et 1981, l'année où l'un des membres, Rafael Solbes mort. Ils existent à l'exception des Solbes, de Manolo Valdés et initialement aussi de Juan Antonio Toledo, qui sortit bientôt. De ce moment sur le groupe dans un duo à travers.

Le but de Equipo Crónica ?? ?? était de développer se distancier de la «informel» et un peintre figuratif dans le mouvement du style 'Pop Art'. Elle voulait la situation politique de l'Espagne sous le régime franquiste y dénoncer en revenant à des éléments de l'histoire de l'art, en particulier leur propre. Entre autres Guernica ?? ?? Ménines de Picasso et ?? ?? Velázquez aussi revenir dans son travail

Le style de Equipo Crónica ?? ?? était tellement réaliste, pictorisch, critique, et surtout pop ?? ??. Elle utilise anachronismes et les différences de style délibérées, qui reflètent aussi les différences sociales dans le puis l'Espagne. Les peintures sont plutôt pessimistes et donc donnent aussi l'air du temps de cette période en Espagne à nouveau.

Luis Gordillo

Luis Gordillo a commencé à étudier le droit, mais bientôt il a découvert qu'il était plus intéressé par l'art et se inscrit à l'Escuela de Bellas Artes ?? ??. En 1958, il se rend à Paris, et a fait si familier avec le travail de Jean Fautrier et Jean Dubuffet. Pendant cette période, il a suivi l'esthétique des mouvements tels que Art Autre ?? ?? et ?? Dau al Set ??. Mais bientôt commencé à être rebutés par l'art informel en vigueur des années 50 whenn tel, il a lancé dès la nouvelle figuration et Pop art ?? ?? dans l'art espagnol des années soixante.

Après une nouvelle visite dans la capitale française Gordillo venu bientôt sous l'influence de Francis Bacon et le Pop Art américain ?? ?? mouvement. Il était à cette époque la série ?? Cabezas ?? et Automovilistas ?? ??, qui a souligné. Avec sa nouvelle approche de la figuration, se moque de la montée des médias de masse.

Peu de temps après, il apporte son expérience avec la psychanalyse de son travail et ouvre de nouvelles voies. Il quitte temporairement, même la peinture pour se consacrer entièrement à sa dite. ?? ?? Dibujos Automaticos, dessins, qui sont mises en une ligne sur le papier. En 1971, exposé à Madrid, une exposition, qui est d'une grande importance se révélera être une nouvelle génération d'artistes espagnols.

Dans les années 70, Gordillo a apporté la technique de ses ?? dibujos Automaticos ?? sur la toile, et l'utilisation également en couleur. Entre 1980 et 1990, cependant, changé ses thèmes et sa palette météorologiques précises est plus frais. Il finit entre son ancienne figuration et abstraction postmoderne.

En 1981, Gordillo a reçu le Prix National des Arts Plastiques ?? ??.

Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo a étudié le journalisme à Madrid. Il a ensuite déménagé à Paris en 1957 pour échapper à la l'Espagne sous le franquisme. Bien que son premier appel a été écrit, il l'avait toujours fait karikaturenb et interesseerdehij déjà pour la peinture. Il écrira donc toujours combiner avec la peinture, même se il vivait depuis 1960 en tant que peintre.

Dictature critique Arroyo a comparé ?? de lui apporta, comme Luis Gordillo et Equipo Crónica ?? ??, et d'autres de développer un style figuratif à une époque où l'abstraction dominé. Ses premières œuvres étaient principalement toreros, danseurs, portraits royaux, mais sans la romance associé, plutôt juste plein d'amertume. Son utilisation de la couleur rend immédiatement penser à la Pop Art ?? ??.

Arroyo en 1963 expose son travail à la troisième Biennale de Paris, une série de portraits d'indicateurs relatifs, qui a suscité une protestation officielle du gouvernement espagnol de l'époque. Cette même année, il a eu une exposition à Madrid, qui devait être ouverte sans sa présence par cet incident. L'exposition a été fermé après quelques jours par la censure.

Arroyo était un rebelle, et il était aussi dans le monde de l'art établi. En outre, il a défendu un système de commerce de l'art, qui était indépendant des musées et des subventions gouvernementales.

Alors qu'il a dénoncé clichés espagnols, développé son travail dans des tendances plus surréalistes. Un exemple est le tissu Caballero español ?? ??, dans laquelle le coureur porte un gala de robe.

En 1974, Arroyo a été interdit par la dictature espagnole dans son pays. Ce est seulement après la mort de Franco, il serait de récupérer son passeport pour qu'il puisse voyager et la maîtrise en Espagne obtiendrait la reconnaissance méritée. Néanmoins, il a fallu attendre les années 80 qui seraient vraiment arriver

En 1982, Arroyo a également reçu pour son travail ?? le Premio Nacional de Artes Plásticas de España ??. Dans la même année il y avait une grande rétrospective de son travail au Centre Pompidou à Paris.

A cette époque, l'oeuvre d'Eduardo Arroyo pend là, y compris le Musée Reina Sofia à Madrid et le Museo de Bellas Artes de Bilbao.

César Manrique

Cesar Manrique a été un pionnier de l'art moderne en Espagne. Parce qu'il est originaire de Lanzarote il comme un peintre, sculpteur et architecte commandé par le gouvernement apporter les centres touristiques de l'île canarienne de la terre. Il aurait donc être en mesure d'aider les ressources naturelles et culturelles de l'île, où il est né, à protéger. Il a réussi à convaincre le gouvernement de l'époque là à cause de la construction d'immeubles de grande hauteur devrait être interdite sur l'île volcanique.

Dans le "Castillo de San José", une forteresse au 18ème siècle sous le roi Carlos III a été construit pour protéger le port d'Arrecife contre les pirates, est maintenant un musée d'art moderne et d'un restaurant avec vue panoramique sur le port.

La maison de l'artiste dans son style typique, où il combine toutes les disciplines, construit dans une grotte de lave. Il est décoré de nombreuses œuvres d'art, non seulement de sa propre mais aussi d'autres artistes. Dans la maison sont énormes air de soufflage dans la lave noire chambres en pierre. Une partie est aménagée en exposietieruimte. Il ya aussi maintenant ?? Fundación César Manrique ?? situé.

La sculpture de César Manrique est principalement influencée par le grand peintre espagnol Pablo Picasso montre.

Miquel Barceló

Miquel Barceló a passé son enfance à Majorque. En 1975, il se installe à Barcelone pour être formés comme un artiste. Immédiatement après avoir été diplômé en 1982, il a acquis une reconnaissance internationale quand il a été invité à la Documenta 7.

En 1988 Barceló premier voyage au Mali, une expérience qui a fait une telle impression sur lui que son travail ne était pas seulement influencé par la peinture traditionnelle africaine, mais il a maintenant un studio. Il dit à propos de lui-même qu'il n'y a appris à observer, grâce à ses amis du Dogon ?? ?? personnes. Ces personnes, selon Barceló pas habitué à la télévision, la photographie et les ordinateurs a ?? autre, de façon plus profonde d'observer. Ils sont également en mesure de voir dans l'obscurité et reconnaître les gens de miles. Ils voient tout dans une perspective de quatre dimensions. Quand je suis là, puis de regarder ce que je fais, assis à une hauteur. De là, nous voyons les marchés, les femmes, les enfants. La vie ??. Mali détient Barceló est donc principalement sur la lecture, la peinture et l'écriture. Dans son ?? Cuadernos de África ?? ces arts sont tous réunis.

Barceló depuis 2008 surtout célèbre pour son plafond peint dans la grande salle de réunion XX des Nations Unies à Genève. Il l'a fait avec des pigments de toutes les régions du monde. En particulier en Espagne, il y avait beaucoup de critiques du coût élevé, et parce que cinq cent mille EURO ?? était un pot pour le développement. Laissez-nous alors espérons que Barcelo, qui a encore une relation spéciale avec l'Afrique que l'argent encore donné sa véritable destination.

José María Sicilia

José María Sicilia est un peintre connu pour son matériel de peinture. Ainsi il a intégré comprend la cire d'abeille et des insectes dans son travail. Compte tenu des possibilités de la matière, il suit la tradition de l'art espagnol depuis Tàpies et l'informel, si son travail peut être appelé expressionniste. Une autre influence travaillera à Jackson Pollock, un artiste avec la coïncidence de facteur joue un rôle majeur.

Sicilia a étudié les Beaux Arts à Madrid. En 1980, il émigre à Paris en 1985 à New York, où il a commencé à travailler dans le monochrome, blanc vooal. Début des années 90 ont découvert Sicilia comprennent la cire d'abeille comme une dimension supplémentaire à son travail. Cela a conduit à l'autre, parfois vagues, textures photographiques.

En 1989, il a reçu la soi-disant. ?? Premio Nacional de Artes Plásticas ?? du ministère espagnol de la Culture.

Voir aussi:
Espagne: l'art et la culture de la préhistoire au Moyen Age
Espagne: l'art et la culture de la Renaissance à 1926
Art espagnol de la guerre civile
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