L'histoire de l'art

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L'histoire est généralement considéré comme un fait établi. Mais l'histoire est aussi une discipline qui a vu le jour au XIXe sous certaines conditions. Dans ce cas, comment l'art est née, quelles théories de la discipline a connu et ce qui peut être éventuellement changé. Parce que l'histoire est construite et devrait être étudiée pour savoir pourquoi et comment certains événements ou peuvent ne pas être inclus.

Comment devrions-nous aborder l'histoire de l'art?

Comment l'art et histoire de l'art doit aborder depuis longtemps dans diverses méthodes, théories et modèles couverts. Décrivant une œuvre d'art dans l'analyse formelle de Wölfflin ou un principe iconographique de Panofsky pas être considéré comme pertinent. Bien plus, il semble important maintenant d'interroger l'art à travers diverses pensée philosophique pour découvrir le sens. Pour l'histoire de l'art est le même. Ce est un fait qui ne peut plus être considéré comme une histoire de l'art, mais il ya plusieurs histoires qui ramassent sur l'autre et se influencent mutuellement. Cependant de plus en plus de questions sont posées dans l'histoire de l'art, pour ouvrir ce domaine académique pour de nouvelles perspectives d'autres disciplines et de tester par exemple la mondialisation. Parce que l'histoire de l'art est encore un concept occidental. Cette histoire semble construit avec la vision occidentale ne rentrent plus dans la notion de plus en plus du village planétaire, où tout et tout le monde par la télévision et l'Internet entrent en contact les uns avec les autres. Il ne faut pas rejeter les méthodes existantes, mais adapter, intégrer de nouvelles théories et de collaborer avec d'autres disciplines telles que la sociologie, la psychologie, la philosophie, l'anthropologie et ainsi de suite. Cela permettra aux surprenantes nouvelles idées sont apparues qui font l'histoire de l'art et de l'art visible d'une manière différente. Comment ce est fait, vous sera décrite sur la base de trois thèmes ?? s au centre de ce papier: l'œuvre d'art elle-même et la mondialisation, l'art et l'agence ?? ?? et les modèles d'interprétation et de l'art.

L'œuvre d'art et de la mondialisation

La mondialisation du monde est un concept difficile parce que, quand il a commencé? Qu'est-ce que cela signifie et comment le monde de l'art doit faire face? Ces questions ne peuvent être traitées ici, mais ce seront affichés qu'il ya un concept très problématique. Pour l'art, il est important d'examiner comment les différentes cultures ont appris à connaître l'art de l'autre et comment ils se influencent mutuellement. L'Occident est souvent accusé d'exclure le reste ?? ?? du monde à eux seuls et se concentrer entièrement sur l'art occidental. ?? L'autre ??, tels que les peuples non-occidentaux sont appelés, est souvent considérée comme inférieure à la culture occidentale. Art ou l'utilisation de cette ?? Autre ?? pour l'occidental exotique et spéciale, mais ne sont pas inclus dans le High Art ?? ?? de l'Occident. Il finit dans les musées ethnographiques, qui manquent souvent le talent de l'artiste est mis en évidence, mais la façon dont il a été ou est utilisé par les personnes concernées. Cependant, nous avons besoin de ciseaux objets de la non-Ouest dans le cadre du concept occidental de l'art? Ce cours peut être dit pour l'art chrétien occidental, comme il est maintenant exposées dans les musées d'art, mais ce ne était pas prévu à l'origine.

Image occidentale dans les XVIe et XVIIe siècles
Une image des cultures autres que l'Occident remonte au XVIe siècle, par exemple par les dessins de Jean de Léry de la Tupinamba du Brésil. Les personnes dans la photo ne vivent pas ?? ?? les gens représentés, mais comme une sorte de représentation d'une activité ou une famille paisible. Cela permet le choc de la cannibalisme du peuple doit être réduite. Grâce à la description de De Lery et dessins Tupis ne sont pas considérés dangereux, parce que, comme une sorte de plante / animal décrit, ce est pour les Occidentaux fait graphiquement. Le cannibalisme fait partie de leur culture, mais ils ne sont pas voulu ?? ??, ?? mais nobles sauvages ??. Cet exemple montre qu'il semble se cacher derrière un écran de propagande politique de ce peuple. Il doit encourager les Européens à réfléchir à leur propre culture, qui dans ce cas semble être mieux que le Tupinambas. Cependant, il ne est pas image réaliste de ces personnes exposées et ils sont utilisés comme un moyen de pouvoir en Europe.

Au XVIIe siècle, Albert Eckhout dans les dessins Brésil de la population là-bas. Dans la République pourrait être si étranger ?? ?? les gens voient ?? ?? et il y avait une idée de la pays lointain Brésil. Cependant, ce est une image accomplis depuis Eckhout ses peintures ne ont pas fait, mais seulement pour revenir à la République. Il a fait une interprétation de la réalité, par un œil occidental. Il a ajouté, devenant ainsi, symboles chrétiens occidentaux, de manière à donner l'impression que la personne représentée dans le pays lointain était subordonnée à l'Ouest parce que ceux qui ne ont pas compris le symbolisme. Les habitants de la République ont pu être une image du Brésil, mais ce était une image construite où l'Occident était glorifié. Les peintures et les fonds d'écran par exemple avec des images brésiliens sont également un autre moyen de pouvoir, pour indiquer que l'Occident a la position la plus puissante et règne sur le reste ?? ??.

«L'Occident» et des problèmes
L'image de l'Occident lui-même et l'autre ?? ?? a plus changé que les problèmes de cette séparation est de plus en plus féroce dénoncé. Artistes en essayant de faire leur travail aussi clair qu'il ya une vision du monde biaisée. L'un de ces artistes, Kara Walker, problématiser en renvoyant la vision du monde de l'histoire américaine de l'esclavage, la guerre civile et l'oppression de l'homme noir. L'art qu'ils créent est un mélange entre l'art haute et basse et le sexe-lié, parce qu'ils utilisaient grand, noir, découper des silhouettes Elle a posté sur le mur comme une sorte de papier peint. Ils très clairement de sa position grâce à son art, où il a fait encore Eckhout par des symboles cachés. Elle est une déclaration que comme une femme noire problématiser l'art est accepté. Ce est aussi en raison de l'évolution du monde, car à l'époque de la guerre civile, ou plus loin en arrière, au temps d'Albert Eckhout, il ne serait pas accepté ce qu'elle a fait.

La mondialisation signifie que les cultures sont de plus en plus de plus en plus ensemble. Via l'Internet, ne importe qui peut accéder ne importe où dans le monde et peut idées, points de vue, la philosophie et l'art sont beaucoup plus facilement interchangeables. Commerce essayer de ?? 80 années du 20e siècle, de faire un lien entre l'ensemble du monde de l'art. Par exemple, les sources d'inspiration de la non-Occident accrochés à côté de l'art occidental de montrer l'influence. Malgré la critique féroce que les pièces reçues clients étaient un facteur important dans la mondialisation de l'art. Ils étaient différents du commerce ?? monde occidental ?? qui a déjà eu lieu du 1851. L'exposition de Paris était dans la même année que l'exposition ?? Magiciens de la Terre ??, où ils ont essayé de traiter l'art occidental et non occidental dans une échelle similaire. Au mondiale mais il était complètement à l'opposé l'Est présenté à l'Ouest. Il y avait une rue médiévale au Caire reconstruit pour donner aux visiteurs le sentiment qu'ils sont vraiment en Egypte autour. Cependant, ils l'ont fait en raison de leur agenda politique, parce que cette rue égyptienne se tenait un objectif de rack et renforcer l'identité nationale française. Égyptiens virent la rue à Paris pensait-il pas une représentation du monde tel qu'il est, mais le monde est présenté comme une grande exposition. Ce était juste un spectacle pour le visiteur de l'Ouest et la population arabe a été lui-même considéré comme un morceau d'affichage. Européens vivent dans un objet-monde ?? ?? et même voir des sujets et des objets qui peuvent être consultés. Ce est arrivé aussi au XVIIe siècle, lorsque Johan Maurits Indiens avaient danser dans les Mauritshuis à divertir et à émerveiller les visiteurs.

Visiteurs arabes ont vu les Européens Monde Paris que curieux des gens qui ne cherchent pas à imaginer le monde tel qu'il est, mais ils essaient de faire un spectacle de pur divertissement. Tout est organisé, à travers lequel de structurer leur identité, la politique, l'économie et le statut social de laisser voir.

Art et agence

Chaque œuvre d'art a sa propre agence. Il est un médiateur entre le spectateur et l'œuvre d'art et ce est quelque chose de personnel, parce que ce est une épreuve individuelle entre le spectateur et l'illustration. Par exemple, une personne peut voir une œuvre religieuse et prier, se il voit une œuvre d'art qui il a déménagé, choqué, surpris et heureux. Un exemple de la théâtralité de l'agence, une forme très directe de l'expressivité d'une œuvre d'art. Un travail qui sont évidemment les aspects du théâtre ou appelé pour demander à être un spectateur plus activement dans le travail. Ils sont maintenant non seulement pour regarder l'image, mais ils exercent une action. Ils doivent comprendre l'histoire de l'œuvre par une scène, comme dans un jeu, à regarder les images. Donc théâtralité est une sorte d'agence de certaines structures.

Agence a lieu non seulement dans l'art, mais aussi peut-être dans les musées. L'art est toujours une certaine manière exposé et le cadre est un médiateur entre l'art et le visiteur. Certains musées ont tracé une voie à suivre, pour indiquer une chronologie par exemple, ou d'accords et de montrer les différences entre le travail successives. Les formes de l'exposition d'objets ou d'œuvres d'art permettent au visiteur passer par certaines expériences. Ils font une performance, par exemple dans un rituel. Duncan affirme dans son article que les musées, même si elles sont un lieu laïque, ont beaucoup à voir avec les rituels religieux. Temple classique a longtemps été un exemple pour l'architecture d'un musée et par la mesure où les visiteurs au sein, il semble comme un site religieux. Ce est une expérience purement individuelle, comme un exemple de danse rituelle des Indiens Pueblo où Aby Warburg écrit à propos. Il semble collectivement organisée comme un musée, mais l'expérience est différente pour chaque individu.

Les musées actuels sont appelés esthétique, parce qu'ils sont les œuvres accrocher séparément les uns des autres, afin que le visiteur ne est pas distrait par la beauté de l'œuvre, mais il ne perd pas la notion d'un rituel, comme un visiteur à une œuvre en soi grâce à une expérience particulière. Puis il vient, comme un rituel, de retour dans la vie quotidienne, mais avec une nouvelle révélation par la contemplation visuelle de la peinture.

La notion de l'agence provient de l'anthropologie et est entrée en l'art justifié, parce que les gens, par la mondialisation, ont commencé à utiliser d'autres disciplines universitaires pour aborder l'art.

Modèles d'interprétation de l'art

Comment doit une œuvre d'art à être abordée? Ce qui devrait être pris en considération? Qu'est ce qui détermine le sens d'une œuvre d'art? Ces questions se posent dans l'interprétation d'une œuvre. Depuis l'art a été développé il ya beaucoup d'historiens de l'art, philosophes, sociologues, anthropologues et beaucoup d'autres qui se sont prononcés sur l'art et la manière dont il peut le mieux être abordés. Histoire de l'art est une histoire des styles, donc le style d'une œuvre est souvent traitée en premier. Style ne est pas, cependant, considéré comme le moyen le plus approprié pour aborder l'art. Beaucoup de théories actuelles souvent ne regardent pas le style d'une œuvre. Le problème de ce est qu'ils sont souvent constitués de plusieurs styles, qui changent sous certaines influences tels que la technologie, de nouveaux modes et méthodes. Un style change sous l'influence d'une culture. La séquence de styles va à une cible, et a à voir avec le nationalisme. L'heure actuelle peut être considéré comme le postmodernisme, une époque où tout ce qui a été supposé pendant une longue période, est remis en question. Ce est un moment de problématiser et veut que les gens pensent de l'histoire et comment elle est faite par l'homme. Un terme qui convient le postmodernisme est la déconstruction. Ce est un terme qui se explique par Heidegger et Derrida, mais il conserve la nature d'une relation à sa propre tradition. Ce est un traitement critique et respectueux de quelque chose sans rapport, mais est lié à autre chose. Pour l'histoire de l'art voit cette relation comme suit: Art par rapport à l'histoire de l'art et l'histoire de l'art, ainsi que de l'histoire de l'histoire de l'art comme une pratique institutionnalisée de la lecture. Cela signifie qu'il n'y a pas d'art existe en dehors des textes par les historiens de l'art et de l'art si souvent acquiert un sens à travers des textes. En déconstruisant ces relations viennent avant et afin qu'ils puissent être interrogés.

Histoire de styles dans l'art
Zeitgeist est important pour déterminer un style d'art. Tous les aspects de la civilisation reviennent à l'esprit du temps, que l'on peut en déduire pourquoi à ce moment-là, dans ce lieu un certain style est né. Les historiens d'art doivent se rendre compte que l'interprétation de l'art se fait toujours à partir d'un temps et selon le contexte d'une époque. L'importance du travail que nous ne peut pas trouver simplement en regardant l'image elle-même. Tout autour, il est tout aussi important. Ceci, cependant, est exclu de l'analyse formelle de Wölfflin et sa compréhension de la Kunstwollen, l'envie vide pour créer un art. L'analyse formelle consiste air pur, sans émotion, le goût, les connaissances ou la culture. Cependant, cette approche a peu à dire au sujet de l'œuvre d'art. Ce est une pure description de ce qu'il ya à voir, mais le contenu et la fonction restent inconnus. Cette idée vide Wölfflin relie par exemple cathédrale gothique dans une chaussure gothique parce qu'il peut se connecter ces objets à travers les caractéristiques formelles. Ce est une comparaison très étrange et vide de sens. Aby Warburg, il ne est donc pas d'accord avec Wölfflin. Il dit que les gens regardent toujours avec une certaine culture, l'histoire, le goût. Ils ne peuvent pas regarder ?? ?? pur, mais seront toujours certaines pensées, les idées ont des associations avec une œuvre. Pour le contenu d'une œuvre, il est important de connaître l'iconologie. Donner un sens à un objet ne peut pas seulement en regardant la forme. Panofsky dit que la forme et le contenu de chevauchement et doit être prise non seulement le naturaliste ou impression. Iconographie a longtemps été considérée comme l'antithèse du formalisme, ce est le terme général pour l'étude de l'objet visuel. On a supposé que chaque image possède un symbolisme caché, ce qui est important dans le contexte du travail.

Théories contradictoires
Stephen Bann est en désaccord avec l'approche iconographique Panofsky, parce qu'il est le contexte social, historique et politique de l'illustration ne apporte pas dans sa critique d'art. Approche purement iconographique est trop simpliste et pourrait conduire à des interprétations erronées. Iconologie est une forme solide de l'interprétation. Il ya des règles sur ce qu'est une œuvre d'art peut être décrit iconologique. Ce est différent, par exemple, l'agence, qui n'a pas de règles fixes sur les décrivant un emploi, parce que ce est une expérience individuelle. Par conséquent agence et iconologie semblent face de l'autre, mais cependant ils se produisent ensemble. Si une personne ne sait pas ce qui est représenté dans un tableau, son expérience sera très différent de quelqu'un qui ne sait. Quelqu'un qui ne sait rien de l'iconographie chrétienne ne sera pas prier pour une image du Christ, tandis que quelqu'un qui ne sait, peut le faire.

Se appuyant sur la théorie de Warburg développe Georges Didi-Huberman une théorie dont il correctement toutes les associations qu'il a utilisé pour expliquer des œuvres d'art de la Renaissance exemple. Il préconise une approche anachronique à l'art, parce ressemblance décalée est un terme important. Il dit, par exemple, que nous pouvons maintenant expliquer l'art abstrait du Moyen-Age, parce que nous savons Pollock. En outre, il dit qu'il n'y a pas de relation entre ces deux artistes peuvent exister, mais il ya une reconnaissance de quelque chose, quelque chose d'autre que nous connaissons. Il n'a pas à donner immédiatement de nouvelles significations, mais il donne de nouvelles idées. Un nouvel objet est créé par l'approche selon la théorie archaïque. Didi-Huberman également être utilisé des données historiques pour mieux comprendre l'art, mais il pense aussi qu'il ya non seulement à leur propre temps du travail devrait être examinée, mais aussi pour le temps avant et après. Il est plus radicale que Gadamer, qui sont à la recherche de la vérité, même si elle ne peut jamais être trouvé.

«Vérité» dans l'art

La recherche de la vérité se reflète également dans le texte de Heidegger. Il est à la recherche de l'origine d'une œuvre d'art, mais trouve la quête plus important que les réponses. Il fait sa théorie une distinction entre une chose, un outil et une œuvre d'art. Ces trois ont toutes leurs propriétés et Heidegger demande ce qui fait une chose une chose et ce est différent d'un ustensile ou un dessin. Il dit à la fin de l'article que la nature de l'art est: ?? la vérité ou les êtres se mettre au travail ??. L'exemple du tableau de Van Gogh rend clair qu'il signifie que les choses dans la peinture ?? sont mis au travail ?? . Le tableau montre la vérité des chaussures, parce qu'ils sont portés à l'arrêt à la lumière de l'essence ?? ??. Schapiro commente Heidegger, parce qu'il est la vérité, que Heidegger voit dans ce tableau, non pris en charge par un exemple visuel. Sont toutes les peintures de chaussures de Van Gogh même? Les cacher tous la même vérité? Quelle vérité les cacher, parce que, à la peinture seulement des chaussures. Il ne est pas agriculteur visible, aucun pays dans lequel il se exécute, aucune preuve pour confirmer cela. Heidegger artiste méconnu. Pour comprendre ce travail, il pourrait être important d'impliquer Van Gogh l'idée de celui-ci. Schapiro cite un morceau de Gauguin, dans lequel il a dit les chaussures de la peinture de Van Gogh avait joué un rôle important dans sa vie.

Le style de l'Antiquité classique est toujours important pour l'art et toujours essayer d'imiter les artistes ce que les Grecs ont obtenus. Mais parce que les styles changent, qui ne sera jamais le même. Culture, lieu, temps, la politique, l'économie, en bref, les circonstances à déterminer le style de l'art dans une société donnée.

Ce qui importe est ce que Gombrich dit à propos de l'art et de l'esprit collectif. Le style peut être fortement liée à une nation, parce qu'ils se connectent idées politiques il. En Russie, par exemple, l'expressionnisme abstrait considéré comme une expression des idées marxistes que la Russie adhère à l'Union soviétique.

Le contexte de l'art
Les critiques et les politiciens cherchent encore une interprétation politique des changements stylistiques. Il est souvent demandé plus tôt à l'endroit où un certain nouveau style dans l'art signifie, puis les intentions artistiques. L'art ne peut être séparé du contexte social dans lequel il a été créé. L'art grec est la culture grecque, comme décrit Winckelmann.

Le problème de regarder seulement le style de l'art que la fonction du travail est complètement ignorée. Jusqu'à 1946, il était aux Pays-Bas aucune attention à la teneur ou la fonction de l'œuvre d'art. Hans van de Waal et Eddy De Jongh étaient très intéressés par le contenu de l'œuvre d'art Waal et Van estimé qu'il était important que la forme, le contenu et la fonction d'une œuvre ont été étudiés. Ces trois aspects sont encore utilisés à l'heure actuelle pour décrire des œuvres d'art et de donner un sens. En outre, il est également important de comprendre la création d'une oeuvre originale avec elle. Henk van Os par exemple, avait une théorie sur cinq retables qui étaient à l'origine dans le Duomo de Sienne appartenait dans le cadre du programme. Le site original d'une œuvre d'art peut offrir beaucoup de perspicacité dans son sens. retables qui sont maintenant placés dans les musées sont très différents approché par le public, que se ils se trouvaient dans l'église. Cela inclut par exemple des objets provenant d'autres cultures, qui sont maintenant exposées dans des musées ethnographiques. Ils sont loin de leur fonction d'origine et sont maintenant approche plus esthétique.

L'art peut être accessible à bien des égards, de sorte que le sens d'une œuvre est aussi constamment changé. Il est important d'examiner non seulement à l'histoire de l'art, mais aussi d'autres disciplines et des méthodes pour intégrer sorte que le champ universitaire est plus large et plus riche en connaissances.
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